Il post-trattamento LIGHTROOM

TUTO: Post-elaborazione di una foto subacquea 

Abbiamo visto nel precedente articolo i vantaggi della potenza di elaborazione di un file RAW rispetto a un'immagine JPEG. Attraverso questo tutorial vedrai la "metamorfosi" di un file raw in una foto lavorata secondo la propria sensibilità. Ti descriverò così passo dopo passo le principali fasi di sviluppo di un file RAW. L'elaborazione di questi file fa parte di una serie di azioni e aggiustamenti mirati ai diversi concetti che compongono una foto. Questa successione di azioni è chiamata "flusso di lavoro". Queste regolazioni si aggiungono alle impostazioni effettuate durante la ripresa. È importante chiarire che tutto ciò che può essere fatto con la fotocamera, quando si scatta sul campo, deve essere fatto in questo momento. Questo è ancora più vero nella fotografia subacquea. L'errore sarebbe dire a te stesso, tanto pi, non faccio questa impostazione o non ottimizzo questa, perché potrei farlo in seguito con Lightroom o Photoshop. La post-produzione, o l'elaborazione al computer di una foto, è parte integrante del processo di creazione di un'opera fotografica. A mio parere, questo è un passaggio importante quanto lo scatto stesso. I concetti principali su cui lavoreremo in questa guida sono i seguenti: contrasto, toni e colori e alcuni strumenti di azione localizzati. L'elenco delle azioni descritte non è esaustivo.

La post-produzione di un file RAW è più o meno la stessa, che si tratti di una foto subacquea o terrestre. Tuttavia, esistono specificità specifiche per lo sviluppo di immagini subacquee.

Questo tutorial è destinato ai principianti, alle persone che non hanno ancora esperienza nella post-produzione e che desiderano approfondire questo argomento.

Durante tutto il flusso di lavoro, lavoreremo sullo sviluppo di un file RAW (deRAWtization) con il software Adobe Lightroom CC 2015.

Affinché tu possa seguire l'elaborazione passo dopo passo, ti sto rendendo disponibile il file RAW della foto in modo che tu possa apportare le stesse regolazioni come ho fatto io. La resa cromatica può variare in base allo schermo, soprattutto se non sono calibrati.

Come ho annunciato sopra, lo sviluppo di un RAW è una serie di azioni che mira a ottimizzare e ad adattare alcuni concetti che non possono essere raggiunti durante le riprese.

Ti descriverò passo passo tutte le azioni utilizzate per eseguire l'elaborazione di questo scatto subacqueo, come dimostra questo confronto prima / dopo:

Questa foto è stata scattata alla fine dell'immersione nell'S-Pass a Mayotte. È una foto contro la luce, quindi con una forte dinamica.

Presentazione dell'interfaccia software:

Innanzitutto, apri la tua foto in Lightroom e fai clic sulla scheda Sviluppo.

Dovresti avere questa interfaccia:

Ecco come appare l'area di lavoro di Lightroom con tutti gli elementi o gruppi di elementi che ci consentiranno di lavorare sul file.

- L'istogramma: è in alto a destra. Puoi trovare la sua utilità tornando a vedere il mio articolo: Fondamenti di fotografia. Questo istogramma si evolverà durante l'elaborazione fotografica. Ogni azione avrà un effetto su di essa.

- Exif: queste sono le indicazioni dei parametri di ripresa. (Velocità, diaframma, ISO ma anche lunghezza focale e obiettivo utilizzato, qui un 16-35 a 16 mm)

- Il pannello degli strumenti localizzato: questo gruppo di strumenti consente di ritagliare, correggere l'orizzonte, eseguire un bilanciamento del bianco localizzato (molto pratico nella fotografia subacquea), aggiungere filtri graduati, apportare correzioni localizzate vari ecc.

- Le schede di regolazione: ce ne sono 9 (regolazione di base, curva dei toni, Dettaglio, TSI / Livello di grigio, Tonalità parziale, Dettaglio, Correzioni obiettivo, Trasformazioni, Effetti e Calibrazione del dispositivo Foto)

- Opzione Anteprima: questo è uno strumento molto pratico che consente di visualizzare un prima / dopo le modifiche apportate. Ha diversi stili di visualizzazione.

- Scala: strumento essenziale per ingrandire o ridurre la foto.

Prima di tutto, è consigliabile effettuare alcune regolazioni che rimarranno permanenti sul software.

Sto parlando dello spazio cromatico di lavoro e del profilo di base da cui lavoreremo ed eventualmente anche esportare le nostre foto su Photoshop dopo lo sviluppo di RAW.

Lo spazio colore sotto il quale dobbiamo lavorare è ProPhoto RGB. È lo spazio colore più ampio a nostra disposizione. Sebbene la maggior parte degli schermi non sia in grado di riprodurre tutti i colori offerti da questo spazio, è importante utilizzarlo per avere la migliore sfumatura di colore possibile. Questo è ancora più vero nella fotografia subacquea dove ci sono molte sfumature di blu. Questo spazio consentirà un gradiente migliore, una migliore transizione delle diverse tonalità.

È inoltre necessario selezionare l'intensità del colore a 16 bit / livello. Assicurati anche che non ci siano ridimensionamenti.

Queste modifiche devono essere apportate facendo clic su Lightroom => Preferenze => Edizione esterna.

Otterrai questa finestra:

Prima di iniziare il nostro trattamento, è importante selezionare il profilo che servirà da base per il nostro trattamento. Per capire meglio cosa sono i profili, puoi rileggere il mio articolo sul formato RAW tramite questo link: http://www.blog.underwater-landscape.com/format-raw/

Per selezionare il profilo, fare clic sull'ultima scheda di regolazione: calibrazione dalla fotocamera

Una volta aperta la scheda, hai un intero pannello di impostazioni del cursore. Al momento, ci stiamo concentrando solo sul menu Profilo:

Lightroom offre diverse interpretazioni di un file RAW. Queste interpretazioni sono in realtà profili. Alcuni di questi profili sono già offerti dalla fotocamera (orizzontale, verticale, ecc.) Mentre altri sono profili creati da Adobe. Il rendering di base varia notevolmente a seconda del profilo che hai scelto. Qui, l'obiettivo è selezionare il profilo più neutro possibile, al fine di controllare meglio il flusso di elaborazione.

Per questo, ecco un piccolo confronto del rendering dei diversi profili.

Noterai che i rendering sono totalmente diversi, sia sui contrasti che sulla colorimetria. Certo come il profilo, Camera Landscape ha un contrasto e una saturazione di colori troppo pronunciati per i miei gusti.

Seleziono sempre il profilo Adobe Standar V2. È il profilo che offre il massimo dei dettagli e il più neutro in termini di colori. È anche un contrasto molto limitato, che ci lascia tutta la possibilità di regolare il contrasto che vogliamo.

Ma nulla ti proibisce di andare su un altro profilo, è solo una questione di apprezzamento e interpretazione.

Contrasto, toni e recupero delle informazioni:

Il file RAW con il profilo che ho selezionato in precedenza si trova nello stato opaco corrente, senza contrasto. Questo è normale, la nozione di contrasto e tono è soggettiva. Il ruolo del sensore è di registrare quante più informazioni possibili. Ma alcuni, come il contrasto, a seconda della nostra sensibilità.

Il contrasto, come l'esposizione, sono nozioni soggettive. Dipendono molto dalla nostra interpretazione e dal rendering che vogliamo portare alla nostra foto. Questo è il motivo per cui una foto macro su uno sfondo nero sarà deliberatamente sottoesposta, mentre una foto atmosferica, come questa, mira a mostrare una scena nella sua interezza e richiede la massima esposizione possibile. .

In questo caso, la prima delle azioni nel flusso di lavoro di sviluppo RAW. Consiste nel recupero dei dati in aree altamente esposte e sottoesposte. Insomma, il recupero delle zone cosiddette "bruciate" o "bloccate". Dipende in gran parte dalle dinamiche del sensore. Più recenti sono i sensori, più questa dinamica è, quindi, la possibilità di recuperare informazioni è importante. Questa soluzione ha i suoi limiti, devi prima di tutto esporre la tua foto e regolare la potenza dei tuoi flash per avere il minor numero di informazioni da estrarre.

In questa foto possiamo vedere che non ci sono zone “bloccate”, cioè totalmente nere. Solo una piccola parte del sole è leggermente sovraesposta. Quindi possiamo concludere che la foto è esposta correttamente e non avrò bisogno di giocare con il cursore dell'esposizione.

C'è un piccolo trucco per identificare le aree sovraesposte e / o bloccate.

Cliccando sui due piccoli pulsanti sopra l'istogramma, il software colora le aree bruciate in rosso e le aree bloccate in blu. Si noti in questo esempio che non esiste un'area da recuperare nelle basi luminose, ma solo un'area vicina al sole è sovraesposta. Ma questo è normale, perché è il sole.

 

Il prossimo passo è giocare con le impostazioni di base nella scheda con lo stesso nome.

Ma prima di andare oltre, ti darò alcuni dettagli sui cursori presenti in questa scheda:

Dopo questi piccoli dettagli, cercherò di recuperare un po 'di informazioni intorno al sole, l'area più chiara della foto, ma senza provare a fare troppo. Per fare ciò, uso il cursore Tonalità bianca che sposto a sinistra.

Posizionando il cursore a -40%, notiamo che l'area sovraesposta non è più contrassegnata in rosso. Possiamo anche notare che questa azione ha avuto anche e soprattutto un effetto sulle altre aree chiare della foto come le nuvole lì vicino in quest'area.

Una volta raccolte le informazioni, l'azione successiva è quella di giocare sul contrasto complessivo dell'immagine.

La soluzione più semplice è quella di variare il cursore del contrasto. Questo cursore si basa su un preset che modifica più o meno la curva a S dei toni. Questa soluzione lascia poco spazio alle manovre ed è molto meno precisa rispetto alla riproduzione diretta sulla curva del tono, tuttavia il rendering è spesso corretto.

Gestione del contrasto con il cursore del contrasto dell'immagine complessiva:

Notiamo con la vista prima / dopo di sotto che l'immagine è più contrastata, l'aspetto sbiadito della foto svanisce e il rilievo inizia a risaltare.

Gestione del contrasto con la curva del tono:

Questo è un altro metodo per regolare il contrasto della tua foto. Ma prima di andare oltre, una piccola precisazione su questa curva di tono:

La curva del tono è uno strumento molto importante nella regolazione del contrasto. A differenza del dispositivo di scorrimento del contrasto nello strumento di base, è possibile riprodurre il contrasto selezionando intervalli di toni con la curva. Vale a dire, ci permette di lavorare sui toni chiari senza ripercussioni sui toni scuri e viceversa. Possiamo quindi avere una regolazione più precisa rispetto al metodo precedente.

C'è un altro modo di giocare con questa curva. È con il metodo dei punti. Siamo in grado di creare tutti i punti che vogliamo sulla curva per variare come meglio crediamo. Non esitate a testare questo metodo a casa.

Di seguito sono riportati i contrasti regolati con il metodo della curva dei toni. Ho aggiunto un po 'di "pep" nelle alte luci e scurito le zone più scure. La foto diventa più dinamica, l'effetto "sbiadito" scompare. Il trattamento prende forma.

Nota: l'aggiunta di contrasto influisce sulle aree più esposte e sottoesposte di una foto. Più il contrasto aumenta, più le informazioni vengono "perse" negli estremi. L'obiettivo è trovare un buon equilibrio, il principale è l'UMORE, l'atmosfera o l'atmosfera che vuoi portare al tuo scatto.

Per il resto del trattamento, mantengo il contrasto con la curva del tono (assicurati di aver ripristinato a zero il cursore del contrasto generale).

Chiarezza:

Chiarezza è il primo strumento nella categoria presenza nel pannello degli strumenti di regolazione di base.

La sua funzione è quella di mettere in evidenza (o meno) i dettagli dei microfoni a contrasto nella tua foto. È particolarmente interessante mettere in evidenza trame come ad esempio granelli di sabbia o persino squame di pesce. Inoltre, intensifica i contorni degli elementi di una foto.

Questo strumento aumenta il dinamismo e il rilievo della tua foto nel suo valore positivo. Al contrario, lo leviga fino a "sfocarlo" nel suo valore negativo (che personalmente non uso mai).

Quando ho iniziato a elaborare il computer, ho usato molto la chiarezza per aggiungere "pep" alle mie foto. Ma nel tempo, con l'esperienza, mi sono reso conto che questo attraente strumento dovrebbe essere usato con estrema cautela. Tant'è che non lo uso quasi più, o solo in punti particolari di una foto. L'abuso di nitidezza distorce la foto, diventa meno "morbida" con un aspetto talvolta metallico.

L'esempio seguente è molto più significativo di poche parole:

Per questo trattamento, non aggiungerò chiarezza, trovo la foto già molto dinamica con un rilievo evidenziato dalla gestione del contrasto che abbiamo effettuato in precedenza.

Correzioni dell'obiettivo:

Lightroom ha una funzione che rileva l'obiettivo utilizzato in questo modo e ti offre una correzione per l'aberrazione cromatica e la vignettatura. La correzione delle aberrazioni cromatiche deve essere effettuata ogni volta.

Di seguito è riportato uno screenshot prima e dopo la correzione dell'obiettivo.

Notiamo una differenza nel rendering sui contorni della foto. In effetti, la correzione della vignettatura "schiarisce" i contorni che vengono scuriti dal difetto ottico dell'obiettivo. A mio parere, questa correzione non è sistematica. È davvero caso per caso a seconda della foto e della sua composizione. Quasi sempre aggiungo la vignettatura alle mie foto per guidare lo sguardo verso il soggetto. Quindi questa non è una correzione che faccio regolarmente. Nota che la vignettatura dipende anche molto dalla qualità del tuo obiettivo. Più è di qualità l'obiettivo, meno vignettatura sarà presente o, nel peggiore dei casi, gestirà meglio nella sua distribuzione.

Per questa foto, manterrò un po 'di vignettatura dell'obiettivo, quindi applicherò questa correzione fino al 30%. Perché questa scelta? Perché i bordi scuri della foto focalizzano lo sguardo verso il centro della foto, dove si trova il soggetto. D'altra parte, mantengo la correzione della distorsione quasi ogni volta.

Colori :

Ecco un altro grande capitolo nell'elaborazione del computer. Colori !!! L'interpretazione della colorimetria è specifica per ogni persona. E come ho già detto nel mio precedente articolo RAW, il feedback sullo schermo della tua fotocamera non è la verità assoluta. Ancora di più nella fotografia subacquea, il colore oi colori sono notevolmente sconvolti dalla colonna d'acqua. La finezza del trattamento del colore si evolve in base alla tua esperienza. Come con un buon vino o formaggio, matura nel tempo. L'errore più comune è quello di "troppo". La causa principale è l'eccessiva saturazione dei colori. E credimi, ci arriviamo molto velocemente. Anche l'armonia dei colori è molto importante. Attenzione ai colori dominanti (a causa di uno scarso bilanciamento del bianco o di una scarsa illuminazione).

Esistono diversi strumenti per lavorare con i colori di una foto.

- Lo strumento Temperatura e tinta.

- Gestione di ogni colore in isolamento nella scheda TSL / Colore / NB.

- Lo strumento Turno parziale, che influenza, secondo la nostra scelta, i colori delle luci e / o delle basi luminose.

- Lo strumento per modificare colori primari disponibile nella scheda Calibrazione videocamera.

In primo luogo, vedremo lo strumento di gestione per Temperatura e tinta che è nelle impostazioni di base:

Vediamo qui che la temperatura è di 5 gradi Kelvin. Questa impostazione dipende dall'impostazione della fotocamera. Per questa immersione, lascio che il dispositivo gestisca la temperatura del colore, ma a volte lo aggiorno manualmente.

Modificando il dispositivo di scorrimento, è possibile regolare i colori per renderli più caldi o più freddi.

Ecco due esempi esagerati di ciò che è possibile fare con questo strumento:

Sopra, una temperatura di colore di 7000 Kelvin.

Notiamo immediatamente che tutti i colori sono più caldi. Stanno diventando gialli.

Sopra, una temperatura di colore di 4700 Kelvin.

A differenza del precedente, notiamo che i colori tendono verso tonalità più fredde, quindi verso toni bluastri.

Possiamo vedere che la temperatura influenza l'intero spettro dei colori della foto. Attenzione, il rendering può differire notevolmente a seconda degli schermi se non sono calibrati da una sonda colorimetrica. In generale, le foto subacquee rendono meglio con una temperatura compresa tra 4800 K e 5500 K. Per questa foto, lascerò la temperatura del colore così com'è, a 5850 K, perché la trovo piuttosto ben bilanciata.

Per il dispositivo di scorrimento Tonalità, è esattamente lo stesso del dispositivo di scorrimento Temperatura, con la differenza che lo spettro di colori attirerà più o meno verso il verde o il magenta. E per quanto riguarda la temperatura, non cambierei questo valore.

Sempre nella scheda Impostazioni di base, abbiamo due cursori per accentuare i colori.

Questi sono gli ultimi due: Vibrazione e saturazione.

Qual è la differenza tra vividezza e saturazione?

La saturazione di un colore nella colorimetria è in qualche modo l'intensità della sua tonalità. Un colore saturo tende più al fluorescente mentre un colore meno saturo tende ad una tonalità pastello.

Per la vibranza, la definizione è molto meno semplice. Devi prima sapere che si tratta di un concetto reso popolare da Adobe.

Ecco la loro definizione: " L'impostazione Vividezza regola la saturazione per limitare il clipping dei colori vicino al livello di saturazione massimo. Questa impostazione aumenta il livello di saturazione dei colori debolmente saturi in modo che sia superiore a quello dei colori già saturi. Aiuta anche a prevenire un'eccessiva saturazione dei toni della pelle. "

Possiamo quindi concludere la differenza tra questi due concetti.

La saturazione aumenta l'intensità della tonalità di tutti i colori mentre la vibrazione seleziona i colori meno pronunciati (toni medi) per intensificare la loro tonalità senza influire sui colori già dominanti.

Nella fotografia subacquea, la vibrazione ha un vantaggio per aumentare i colori dei soggetti, senza modificare troppo i colori dominanti, il blu nella maggior parte dei casi.

Ma attenzione, devi giocare con parsimonia su questi cursori !!!!

Ad esempio, ecco la vividezza spinta al 50%:

E ora la saturazione è spinta al 50%:

Notiamo che la saturazione spinta al 50% dà un rendering che non sembra affatto naturale mentre la vibrazione al 50% non cade in eccesso.

Ovviamente, ho volutamente esagerato sui cursori per questi due esempi. Non supero mai il 20% in vivacità e il 10% in saturazione. Questi sono i valori limite che mi sono posto negli ultimi anni. Al di là di queste soglie, il rendering non mi sembra più naturale.

Ecco il rendering con una vibrazione del 20% e una saturazione del 10%:

Lo strumento TLS / Color / NB:

Per modificare un colore specifico senza influire sugli altri, utilizzeremo gli strumenti nella scheda TLS / Colore /NB.

Esistono diverse presentazioni di questo strumento successivo o fai clic su TSL o Color, ma in realtà è la stessa cosa.

È possibile modificare 8 colori distinti: rosso, arancione, giallo, verde, blu-verde (ciano), blu, viola e magenta.

Su ognuno di questi colori possiamo influenzare 3 concetti: Tonalità, Saturazione e Luminanza. Questo ci permette di effettuare regolazioni precise per ogni colore senza modificare gli altri.

Per il nostro esempio, trovo che il blues attiri un po 'troppo verso il verde e questo mi disturba un po'.

Cambierò la loro tonalità spingendo il cursore ciano (blu-verde) a destra, come di seguito:

Nota: le tinte ciano hanno un'enorme influenza sulla resa del blu in una foto. È il colore a lavorare prima di tutti gli altri.

Non ho intenzione di giocare con la saturazione del colore con questo strumento, perché ho già regolato la saturazione in precedenza. Ma nulla ci impedisce di spingere / abbassare la saturazione di un colore se sembra inadeguato o ai margini di altri colori.

Otteniamo un blu che non tira più verso il verde. Spetta a tutti determinare quale colore è meglio per loro.

Virata parziale:

Questo è un altro metodo per regolare i colori di luci e / o ombre. In questo caso, non è possibile selezionare un colore specifico. L'intero spettro di colori di luci o ombre viene modificato. Sebbene sia uno strumento che a volte uso nella fotografia di paesaggio, non lo uso mai nella post produzione di una foto subacquea.

C'è un terzo metodo per regolare i colori. Per fare ciò, andiamo in una scheda che abbiamo già visto: Calibrazione dalla fotocamera :

In questa scheda abbiamo visto i profili disponibili (standard, orizzontale, ecc.). Ma c'è anche una serie di slider che mirano a modificare i colori primari: rosso, verde e blu (RGB) oltre a uno slider che gioca sulla tonalità delle ombre. Se modifichiamo uno di questi cursori, questo avrà un impatto diretto sul colore primario, ma anche su tutti i colori secondari che ne risultano.

Per fare un esempio, vorrei portare un po 'più di rosso sul pesce soldato che disegna un po' troppo sul giallo per i miei gusti. Vedrai dal confronto prima / dopo che il cambiamento ha anche un impatto sui colori caldi del corallo. Non esitate a variare i cursori, anche agli estremi per visualizzare chiaramente i rendering possibili con questo strumento.

Prima della calibrazione:

Dopo la calibrazione:

A questo punto dell'elaborazione, il sollevamento pesante è terminato. L'aspetto generale della foto mi si addice. Ma c'è ancora un gran numero di azioni possibili. Soprattutto con strumenti di azione localizzata o filtri graduati.

Non entrerò in tutti gli strumenti di azione localizzati in questo tutorial, né nelle due schede Trasformazione, dettaglio et effetti. Ma ti incoraggio vivamente a testarli empiricamente. È un ottimo modo per imparare.

Tuttavia, vedremo insieme le possibilità offerte dallo strumento Filtro graduato.

Il filtro graduato (o degradato) è, come suggerisce il nome, un filtro "progressivo". Questo filtro può essere ruotato in qualsiasi direzione e la sua graduazione può essere modificata come meglio credi. È particolarmente efficace nella fotografia di paesaggio, ad esempio per lavorare sui cieli. Nella fotografia subacquea è utile per lavorare sulla superficie dell'acqua.

Lo strumento Filtro graduato si trova nella tavolozza degli strumenti localizzata, è il piccolo rettangolo cerchiato in rosso nella foto in basso.

Dopo aver fatto clic su questo piccolo rettangolo, appariranno una serie di cursori. Sono quasi gli stessi dei cursori di regolazione. Ma prima di modificare qualsiasi cosa, dobbiamo prima posizionare il filtro sulla nostra foto.

Per fare ciò, fai clic sul punto nella foto in cui desideri avviare il filtro e sposta il cursore del mouse sul punto in cui desideri interromperlo.

Il che ci dà questo:

Abbiamo 3 righe che appaiono. Tutte le modifiche saranno al 100% sopra la riga superiore.

Il filtro verrà graduato gradualmente tra la riga superiore e la riga inferiore, pari allo 0%. Quindi qualsiasi cosa al di sotto della linea di fondo non verrà modificata.

Naturalmente, la distanza tra la linea superiore e la linea inferiore è regolabile in base alle esigenze.

Ecco un esempio del rendering che possiamo avere:

Possiamo vedere nella foto sopra che ho cambiato i cursori di esposizione, contrasto, luci, chiarezza e saturazione. Tutte queste azioni / modifiche hanno l'effetto di dare un po 'di "pep" alla superficie dell'acqua mentre si recuperano le informazioni nelle alte luci del sole.

Senza filtro graduato:

Con filtro graduato:

Questo strumento arriva al termine dell'elaborazione. È una specie di strumento di finitura. Ma come tutti gli strumenti di post produzione, è necessario utilizzarlo con parsimonia senza cercare di voler fare troppo. Deve rimanere impercettibile alla vista. Altrimenti, è andato troppo lontano.

L'elaborazione in Lightroom è ora completa. Di seguito, il risultato finale parla di volumi. Il recupero delle informazioni, la gestione dei contratti e dei colori portano a questa foto. Sebbene sia diverso dal file RAW, il lavoro fornito su questa fotografia subacquea rimane fedele alla scena che ho in memoria.

Come in passato nei film, l'elaborazione del file RAW corrisponde allo sviluppo di una foto su pellicola. Il fotografo ha sostituito la sua camera oscura con il suo computer. L'elaborazione digitale, e parlo di elaborazione e non di "ritocco", è parte integrante del processo di creazione di un'opera fotografica la cui materia prima è il file RAW creato durante lo scatto. Fa parte di una serie di azioni (flusso di lavoro) che mira a impregnare e sublimare un'immagine attraverso le emozioni, i sentimenti, la visione e l'esperienza del fotografo.

Questo tutorial sull'elaborazione delle immagini subacquee è una guida. È fondamentale acquisire familiarità con il software di elaborazione. Non ci sono segreti, più lavori sulle tue foto, meglio diventerai. La tua sensibilità si evolverà in base al tuo know-how. Si affinerà nel tempo. Ma soprattutto, dovrai passare qualche ora dietro il tuo schermo. Ciò che per il momento sembra noioso ed empirico, diventerà un vero piacere quando padroneggerai i vari strumenti visti in precedenza. La conoscenza e l'esperienza che acquisirai nell'elaborazione del computer cambierà il modo in cui fotografi. Non farai più foto per avere una bella anteprima sullo schermo del tuo box! No, scatterai in base alle possibilità della tua fotocamera e di quella che hai in post-produzione. Ma non dimenticare mai una cosa essenziale: tutto cosa si può fare allo scatto, bisogna farlo in quel momento !!!!