El postratamiento LIGHTROOM

TUTO: Post-procesamiento de una foto submarina 

Vimos en el artículo anterior las ventajas de la potencia de procesamiento de un archivo RAW en comparación con una imagen JPEG. Verá a través de este tutorial la "metamorfosis" de un archivo sin procesar en una foto trabajada de acuerdo con su propia sensibilidad. Por lo tanto, le describiré paso a paso las principales etapas de desarrollo de un archivo RAW. El procesamiento de estos archivos forma parte de una serie de acciones y ajustes dirigidos a los diferentes conceptos que componen una foto. Esta sucesión de acciones se denomina "flujo de trabajo". Estos ajustes se suman a los realizados durante el rodaje. Es importante aclarar que todo lo que se pueda hacer con su cámara, al disparar en el campo, debe hacerse en este momento. Esto es aún más cierto en la fotografía submarina. El error sería decirse a sí mismo, tanto pi, no hago esta configuración o no optimizo esta, porque podría hacerlo más tarde con Lightroom o Photoshop. La postproducción o el procesamiento por computadora de una foto es una parte integral del proceso de creación de una obra fotográfica. En mi opinión, este es un paso tan importante como el rodaje en sí. Los principales conceptos que vamos a trabajar en esta guía son los siguientes: contraste, tonos y colores y algunas herramientas de acción localizadas. La lista de acciones descritas no es exhaustiva.

La postproducción de un archivo RAW es esencialmente la misma que una imagen submarina o terrestre. Sin embargo, hay especificidades específicas para el desarrollo de imágenes subacuáticas.

Este tutorial es para principiantes, personas que no tienen experiencia en posproducción y que desean profundizar en este tema.

Estamos pasando por el flujo de trabajo, trabajando en el desarrollo de un archivo RAW con el software Adobe Lightroom CC 2015.

Para que pueda seguir el proceso paso a paso, pondré a su disposición el archivo RAW para que pueda realizar la misma configuración que yo. Atención, la reproducción del color puede variar según las pantallas, especialmente si no están calibradas.

Como anuncié anteriormente, el desarrollo de un RAW es una suite de acción que tiene como objetivo optimizar y ajustar algunos conceptos que no se pueden realizar durante el rodaje.

Te describiré paso a paso todas las acciones utilizadas para llevar a cabo el procesamiento de esta toma submarina, como lo demuestra esta comparación antes / después:

Esta foto fue tomada al final de la inmersión en el S-Pass en Mayotte. Es una imagen a contraluz, con una fuerte dinámica.

Presentación de la interfaz del software:

Al principio, abra su foto en Lightroom y haga clic en la pestaña Desarrollo.

Deberías tener esta interfaz:

Así es como aparece el espacio de trabajo de Lightroom con todos los elementos o grupo de elementos que nos permitirán trabajar en el archivo.

- El histograma: está arriba a la derecha. Puedes encontrar su utilidad volviendo a ver mi artículo: Fundamentos de la fotografía. Este histograma evolucionará a lo largo del procesamiento fotográfico. Cada acción tendrá un efecto sobre ella.

- Exifs: son las indicaciones de los parámetros de disparo. (Velocidad, Apertura, ISO pero también la distancia focal y la lente utilizada, aquí de 16-35 a 16 mm)

- El panel de herramientas localizadas: este grupo de herramientas permite recortar, corregir el horizonte, hacer un balance de blancos localizado (muy práctico en fotografía submarina), añadir filtros graduados, hacer correcciones localizadas varios, etc.

- Las pestañas de ajuste: hay 9 de ellas (ajuste básico, curva de tono, Detalle, TSI / Nivel de grises, Tono parcial, Detalle, Correcciones de lentes, Transformaciones, Efectos y Calibración del dispositivo Foto)

- Opción de vista previa: se trata de una herramienta muy práctica que permite visualizar un antes / después de los cambios realizados. Tiene varios estilos de visualización.

- Escala: herramienta esencial para acercar o alejar la foto.

En primer lugar, se deben hacer algunos ajustes que permanecerán permanentes en el software.

Quiero hablar sobre el espacio de color de trabajo y el perfil básico desde el que vamos a trabajar y también posiblemente exportar nuestras fotos a Photoshop después del desarrollo de RAW.

El espacio de color en el que tenemos que trabajar es ProPhoto RGB. Este es el mayor espacio de color disponible para nosotros. Aunque la mayoría de las pantallas no son capaces de representar todos los colores en este espacio, es importante usarlo para obtener el mejor tono de color posible. Esto es aún más cierto en la fotografía submarina o los tonos de azul son numerosos. Este espacio permitirá un mejor gradiente, una mejor transición de diferentes tonos.

También debe seleccionar la profundidad de color en 16 Bits / Layer. También asegúrese de que no haya cambio de tamaño.

Estas modificaciones deben realizarse haciendo clic en Lightroom => Preferencias => Edición externa.

Obtendrá esta ventana:

Antes de iniciar nuestro tratamiento, es importante seleccionar el perfil que servirá de base a nuestro tratamiento. Para comprender mejor qué son los perfiles, puede volver a leer mi artículo sobre formato RAW a través de este enlace: http://www.blog.underwater-landscape.com/format-raw/

Para seleccionar el perfil, haga clic en la última pestaña de ajuste: calibración de la camara

Una vez que la pestaña está abierta, tiene un panel completo de configuraciones de control deslizante. Por el momento, nos estamos enfocando solo en el menú Perfil:

Lightroom ofrece varias interpretaciones de un archivo RAW. Estas interpretaciones son, de hecho, los Perfiles. Algunos de estos perfiles ya los ofrece su cámara (Paisaje, Retrato, etc.), mientras que otros son perfiles creados por Adobe. La representación básica difiere mucho según el perfil que haya elegido. Aquí, el objetivo es seleccionar el perfil más neutral posible, para controlar mejor el flujo del tratamiento.

Para esto, aquí hay una pequeña comparación de la representación de diferentes perfiles.

Notarás que las representaciones son totalmente diferentes, tanto en los contrastes como en la colorimetría. Cierto como el perfil, Camera Landscape tiene un contraste y una saturación de color demasiado pronunciada para mi gusto.

Siempre selecciono el perfil Adobe Standar V2. Este es el perfil que ofrece más detalles y es el más neutral en términos de colores. También tiene un contraste muy bajo, lo que nos deja la oportunidad de ajustar el contraste que deseamos.

Pero nada le impide ir a otro perfil, es solo una cuestión de apreciación e interpretación.

Contraste, Tonos y recuperación de información:

El archivo RAW con el perfil que seleccioné previamente está en su estado actual sin brillo y sin contraste. Esto es normal, la noción de contraste y tono es subjetiva. La función del sensor es registrar la cantidad máxima de información. Pero algunos, como el contraste, dependen de nuestra propia sensibilidad.

El contraste, al igual que la exposición, son nociones subjetivas. Dependen en gran medida de nuestra interpretación y la representación que queremos hacer a nuestra foto. Esta es la razón por la cual una foto macro sobre un fondo negro estará subexpuesta intencionalmente, mientras que una foto ambiental, como esta, tiene como objetivo mostrar una escena en su totalidad y requiere una exposición lo más justa posible .

En este caso, la primera de las acciones en el flujo de trabajo de desarrollo RAW. Consiste en la recuperación de datos en áreas altamente expuestas y subexpuestas. En definitiva, la recuperación de las zonas denominadas "quemadas" o "bloqueadas". Depende en gran medida de la dinámica del sensor. Cuanto más recientes son los sensores, más dinámica es esta y, por lo tanto, la posibilidad de recuperar información es importante. Esta solución tiene sus límites, primero debes exponer tu foto y ajustar la potencia de tus flashes para tener la menor cantidad de información para extraer.

En esta foto podemos ver que no hay zonas “bloqueadas”, es decir totalmente negras. Solo una pequeña parte del sol está ligeramente sobreexpuesta. Entonces podemos concluir que la foto está correctamente expuesta y no necesitaré jugar con el control deslizante de exposición.

Hay un pequeño truco para identificar áreas sobreexpuestas y / u obstruidas.

Al hacer clic en los dos botones pequeños que están sobre el histograma, el software colorea las áreas quemadas en rojo y las áreas bloqueadas en azul. Observamos en este ejemplo que no hay un área para recuperar en las bases de luz, solo un área cercana al sol está sobreexpuesta. Pero esto es normal porque es el sol.

 

El siguiente paso es jugar con la configuración básica en la pestaña del mismo nombre.

Pero antes de continuar, le daré algunos detalles sobre los cursores presentes en esta pestaña:

Después de estos pequeños detalles, intentaré obtener información sobre el sol, el área más clara de la foto, pero sin tratar de hacer demasiado. Para eso, uso el control deslizante de los tonos blancos que muevo a la izquierda.

Como el control deslizante está configurado en -40%, notamos que el área sobreexpuesta ya no está marcada en rojo. También se puede observar que esta acción también y especialmente ha tenido un efecto en las otras áreas brillantes de la foto como las nubes cercanas a esta área.

Una vez que se recupera la información, la siguiente acción es jugar en el contraste general de la imagen.

La solución más simple es variar el control deslizante de contraste. Este control deslizante se basa en un valor predeterminado que cambia más o menos la curva S de los tonos. Esta solución deja poco margen de maniobra y es mucho menos precisa que tocar directamente en la curva de los tonos, sin embargo, el renderizado es a menudo correcto.

Gestión del contraste con el control deslizante de contraste general de la imagen:

Notamos con la vista anterior / posterior a continuación que la imagen tiene más contraste, la apariencia desvaída de la foto se desvanece y el relieve comienza a emerger.

Gestión del contraste con la curva de tonos:

Este es otro método para ajustar el contraste de su foto. Pero antes de seguir adelante, una pequeña aclaración sobre esta curva tonal:

La curva de tonos es una herramienta muy importante para ajustar el contraste. A diferencia del control deslizante de contraste de la herramienta básica, puede tocar el contraste seleccionando rangos de tonos con la curva. Es decir, nos permite trabajar en tonos claros sin ninguna repercusión en los tonos oscuros y viceversa. Por lo tanto, podemos tener un ajuste más preciso que con el método anterior.

Hay otra forma de jugar con esta curva. Es con el método del punto. Podemos crear tantos puntos como queramos en la curva para variarla como mejor nos parezca. No dudes en probar este método en casa.

A continuación se muestran los contrastes ajustados con el método de la curva de tono. Agregué un poco de "energía" en los reflejos y oscurecí las áreas más oscuras. La foto se vuelve más dinámica, el efecto de "lavado" desaparece. El tratamiento toma forma.

Nota: Agregar contraste afecta las áreas más expuestas y subexpuestas de una foto. Cuanto más aumenta el contraste, más información "perdemos" en los extremos. El objetivo es encontrar un buen equilibrio, siendo el principal el MOOD, la atmósfera o el ambiente que quieres aportar a tu toma.

Para la suite de tratamiento, mantengo el contraste con la curva de tonos (asegúrese de haber restablecido el control deslizante de contraste global a cero).

La claridad :

La claridad es la primera herramienta en la categoría de presencia en el panel Herramienta de ajuste básico.

Su función es resaltar (o no) los detalles de los micrófonos de contraste de su foto. Es particularmente interesante resaltar texturas como granos de arena o escamas de pescado. También intensifica los contornos de los elementos de una foto.

Esta herramienta potencia el dinamismo y el relieve de tu foto en su valor positivo. Por el contrario, lo suaviza hasta que lo "difumina" a su valor negativo (que yo personalmente nunca uso).

Cuando comencé a procesar por computadora, usé mucho la claridad para agregar "energía" a mis fotos. Pero con el tiempo, con la experiencia, me he dado cuenta de que esta atractiva herramienta debe usarse con extrema precaución. Tanto es así que ya casi no lo uso, o solo en determinados puntos de una foto. El abuso de claridad distorsiona la foto, se vuelve menos "suave" y a veces tiene un aspecto metálico.

El siguiente ejemplo es mucho más revelador que unas pocas palabras:

Para este tratamiento, no voy a agregar claridad, encuentro que la foto ya es muy dinámica con un relieve resaltado por el manejo del contraste que realizamos anteriormente.

Correcciones de lentes:

Lightroom tiene una función que también detecta la lente utilizada y le ofrece una corrección de la aberración cromática y el viñeteado. La corrección de las aberraciones cromáticas debe hacerse cada vez.

A continuación se muestra una captura de pantalla antes y después de la corrección de la lente.

Notamos una diferencia en el renderizado en los contornos de la foto. De hecho, la corrección del viñeteado "aclara" los contornos que están oscurecidos por el defecto óptico de la lente. En mi opinión, esta corrección no es sistemática. Realmente es caso por caso dependiendo de la foto y su composición. Casi siempre agrego viñeteado a mis fotos para guiar la mirada hacia el sujeto. Entonces esta no es una corrección que hago regularmente. Tenga en cuenta que el viñeteado también depende mucho de la calidad de su lente. Cuanto más calidad sea el objetivo, menos viñeteado estará presente, o en el peor de los casos, mejor gestionado en su distribución.

Para esta foto, voy a mantener algunas viñetas de lentes, así que voy a aplicar esta corrección hasta en un 30%. ¿Por qué esta elección? Porque los bordes oscuros de la foto enfocan la mirada hacia el centro de la foto, donde está el sujeto. Por otro lado, mantengo la corrección de distorsión casi siempre.

Los colores :

Aquí hay otro gran capítulo en el procesamiento por computadora. Los colores !!! La interpretación de la colorimetría es específica de cada persona. Y como ya mencioné en mi artículo anterior de RAW, la retroalimentación de la pantalla de su cámara no es la verdad absoluta. Más aún en la fotografía submarina, el color o los colores se ven muy alterados por la columna de agua. La finura del tratamiento del color evoluciona según su experiencia. Como ocurre con el buen vino o el queso, madura con el tiempo. El error más común es el de "demasiado". La causa principal es saturar demasiado los colores. Y créanme, llegamos muy rápido. La armonía de colores también es muy importante. Tenga cuidado con los colores dominantes (debido a un balance de blancos deficiente o una iluminación deficiente).

Hay varias herramientas para trabajar en los colores de una foto.

- La herramienta Temperatura y tinte.

- Gestión de cada color de forma aislada en la pestaña TSL / Color / NB.

- La herramienta Giro parcial, que influye, según nuestra elección, en los colores de los reflejos y / o las bases de luz.

- La herramienta para modificar colores primarios que se encuentra en la pestaña Calibrar de la cámara.

Primero, veremos la herramienta de gestión de Temperatura y tinte que se encuentra en la configuración básica:

Vemos aquí que la temperatura es 5 850 grados Kelvin. Esta configuración depende de la configuración de su cámara. Para esta inmersión, dejo que la cámara maneje la temperatura de color, pero a veces la ajusto manualmente.

Al cambiar el control deslizante, puede ajustar los colores para que sean más cálidos o más fríos.

Aquí hay dos ejemplos exagerados de lo que es posible con esta herramienta:

Arriba, una temperatura de color a 7000 grados Kelvin.

Notamos de inmediato que el conjunto de colores es más cálido. Disparan hacia el amarillo.

Arriba, una temperatura de color a 4700 grados Kelvin.

A diferencia del anterior, notamos que los colores se dibujan hacia tonos más fríos, por lo tanto, hacia tonos azulados.

Podemos ver que la temperatura influye en todo el espectro de colores de la foto. Tenga cuidado, el renderizado puede diferir mucho dependiendo de las pantallas si no están calibradas por una sonda colorimétrica. En términos generales, las fotos bajo el agua funcionan mejor con una temperatura entre 4800 K y 5500 K. Para esta foto, dejaré la temperatura de color como está, a 5850 K, porque creo que está bastante bien equilibrada de esa manera.

Para el control deslizante Hue, es exactamente el mismo que para el Hue, excepto que el espectro de color se dibujará más o menos a verde o magenta. Y en cuanto a la temperatura, no cambiaría este valor.

Aún en la pestaña Configuración básica, tenemos dos controles deslizantes para resaltar los colores.

Estos son los dos últimos: Vibración y Saturación.

¿Cuál es la diferencia entre vibración y saturación?

La saturación de un color en color es, en cierto modo, la intensidad de su tono. Un color saturado tiende a fluo mientras que un color poco saturado tiende a un tono pastel.

Para la vitalidad, la definición es mucho menos fácil. En primer lugar, es una noción popularizada por Adobe.

Aquí está su definición: " La configuración de Intensidad ajusta la saturación para limitar el recorte de colores cerca del nivel máximo de saturación. Esta configuración aumenta el nivel de saturación de los colores débilmente saturados para que sea más alto que el de los colores ya saturados. También ayuda a prevenir la saturación excesiva de los tonos de piel. "

Así podemos concluir la diferencia entre estas dos nociones.

La saturación aumenta la intensidad del tono de todos los colores, mientras que la vitalidad selecciona los colores menos pronunciados (tonos medios) para intensificar su tono sin afectar los colores ya dominantes.

En fotografía subacuática, la vitalidad tiene un activo para aumentar los colores de los sujetos, sin modificar los colores dominantes, el azul en la mayoría de los casos.

¡Pero cuidado, tienes que jugar con moderación en estos controles deslizantes!

Por ejemplo, aquí está la intensidad empujada al 50%:

Y ahora la saturación subió al 50%:

Notamos que la saturación empujada a 50% proporciona una representación que no parece del todo natural, mientras que la vitalidad de 50% no cae en exceso.

Obviamente, exageré deliberadamente en los controles deslizantes para estos dos ejemplos. Nunca supero el 20% en vitalidad y el 10% en saturación. Estos son los valores límite que me he fijado en los últimos años. Más allá de estos umbrales, la interpretación ya no me parece natural.

Aquí está la representación a 20% de vibración y 10% de saturación:

La herramienta TLS / Color / NB:

Para cambiar un color específico sin afectar a otros, utilizaremos las herramientas en la pestaña TLS / Color / NB.

Hay varias presentaciones de esta próxima herramienta o hace clic en TSL o Color, pero en realidad es lo mismo.

Puede modificar 8 colores distintos: rojo, naranja, amarillo, verde, azul verdoso (cian), azul, violeta y magenta.

En cada uno de estos colores, podemos influir en 3 conceptos: Matiz, Saturación y Luminancia. Esto nos permite realizar ajustes precisos para cada color sin modificar los demás.

Para nuestro ejemplo, encuentro que el blues atrae demasiado al green y me molesta un poco.

Voy a cambiar su tono presionando el control deslizante cian (azul-verde) hacia la derecha, como se muestra a continuación:

Nota: los tintes cian tienen una gran influencia en la interpretación de los azules en una foto. Es el color para trabajar antes que todos los demás.

No voy a jugar con la saturación de color con esta herramienta porque ya ajusté la saturación anteriormente. Pero nada nos impide empujar / bajar la saturación de un color si parece inadecuado o marginal a otros colores.

Obtenemos un azul que no tira del verde. Depende de todos determinar si es el color más apropiado.

Giro parcial:

Este es otro método para ajustar luces y / o sombras. En este caso, no puede seleccionar un color específico. Es todo el espectro de color de las altas luces o sombras que se cambia. Aunque es una herramienta que a veces uso en la fotografía de paisajes, nunca la uso en la postproducción de una foto subacuática.

Existe un tercer método para ajustar los colores. Para ello nos dirigimos a una pestaña que ya hemos visto: Calibración de la camara :

En esta pestaña, hemos visto los perfiles disponibles (estándar, horizontal, etc.). Pero también hay una serie de controles deslizantes que tienen como objetivo modificar los colores primarios: rojo, verde y azul (RGB), así como un control deslizante que juega con el tono de las sombras. Si modificamos uno de estos controles deslizantes, esto tendrá un impacto directo en el color primario, pero también en todos los colores secundarios que resulten de él.

Para darle un ejemplo, me gustaría poner un poco más de rojo en el soldado de pescado que tira demasiado del amarillo para mi gusto. Notará con la comparación antes / después a continuación que la modificación también tiene un impacto en los tonos cálidos del coral. Siéntase libre de variar los controles deslizantes, incluso en los extremos para visualizar los renders posibles con esta herramienta.

Antes de la calibración:

Después de la calibración:

En esta etapa del procesamiento, se realiza el trabajo pesado. El aspecto general de la foto me queda bien. Pero todavía hay una gran cantidad de acciones posibles. Especialmente con herramientas de acción localizadas o filtros graduados.

No repasaré todas las herramientas de acción localizadas en este tutorial, ni en las dos pestañas Transformación, Detalle et efectos. Pero le insto a que las pruebe empíricamente. Es una excelente forma de aprender.

Por otro lado, veremos juntos las posibilidades que ofrece la herramienta Filtro graduado

El filtro graduado (o degradado) es, como su nombre indica, un filtro "progresivo". Este filtro se puede girar en cualquier dirección y su graduación se puede cambiar como mejor le parezca. Es particularmente eficaz en fotografía de paisajes, por ejemplo, para trabajar en el cielo. En fotografía subacuática, es útil para trabajar en la superficie del agua.

La herramienta Filtro graduado se encuentra en la paleta de herramientas localizada, que es el pequeño rectángulo rodeado de rojo en la foto a continuación.

Una vez que haga clic en este pequeño rectángulo, aparecerá una serie de controles deslizantes. Estos son casi lo mismo que la configuración de los controles deslizantes. Pero antes de modificar cualquier cosa, primero debemos colocar el filtro en nuestra foto.

Para hacer esto, haga clic en el punto de la foto donde desea que comience el filtro y mueva el cursor del mouse donde desea que se detenga.

Lo que nos da esto:

Tenemos líneas 3 que aparecen. Todos los cambios serán 100% por encima de la línea superior.

El filtro se calificará de manera progresiva entre la línea superior y la línea inferior que está en 0%. Entonces, cualquier cosa debajo de la línea de fondo no cambiará.

Por supuesto, la distancia entre la línea superior y la línea inferior es ajustable según sea necesario.

Aquí hay un ejemplo de la representación que podemos tener:

Podemos ver en la foto de arriba que he cambiado los controles deslizantes de exposición, contraste, reflejos, claridad y saturación. Todas estas acciones / modificaciones tienen el efecto de dar un poco de "energía" a la superficie del agua mientras recuperan información en los reflejos del sol.

Sin filtro graduado:

Con filtro graduado:

Esta herramienta llega al final del tratamiento. Es como una herramienta de acabado. Pero como todas las herramientas de postproducción, debe usarse con moderación sin tratar de querer demasiado. Debe permanecer imperceptible a la vista. De lo contrario, fuiste demasiado lejos.

El procesamiento de Lightroom ahora está completo. A continuación, la representación final es buena. La recuperación de la información, la gestión del contrato y los colores conducen a esta foto. Aunque es diferente del archivo RAW, el trabajo realizado en esta toma submarina sigue siendo fiel a la escena que tengo en mente.

Como en el pasado en películas, el procesamiento del archivo RAW corresponde al revelado de una foto de película. El fotógrafo reemplazó su cuarto oscuro con su computadora. El procesamiento digital, y hablo de procesamiento y no de “retoque”, es una parte integral del proceso de creación de una obra fotográfica cuya materia prima es el archivo RAW creado durante la filmación. Forma parte de una serie de acciones (workflow) que tiene como objetivo impregnar y sublimar una imagen a través de las emociones, sentimientos, visión y experiencia del fotógrafo.

Este tutorial de procesamiento de imágenes submarinas es una guía. Es imperativo que se familiarice con su software de procesamiento. No hay ningún secreto, cuanto más trabajes en tus fotos, mejor serás. Tu sensibilidad evolucionará de acuerdo con tu saber hacer. Se perfeccionará con el tiempo. Pero sobre todo, tendrás que pasar algunas horas detrás de tu pantalla. Lo que parece tedioso y empírico por el momento, se convertirá en un verdadero placer cuando domines las diversas herramientas vistas anteriormente. El conocimiento y la experiencia que adquirirá en el procesamiento por computadora cambiará la forma en que fotografía. ¡Ya no tomarás fotos para tener una buena vista previa en la pantalla de regreso de tu caja! No, dispararás según las posibilidades de tu cámara y la que tengas en postproducción. Pero nunca olvides una cosa esencial: todo lo que se puede hacer en el rodaje, debe hacerse en ese momento !!!!