LIGHTROOM efterbehandling

TUTO: Efterbehandling av ett undervattensfoto 

Vi såg i föregående artikel fördelarna med en RAW-fils processorkraft jämfört med en JPEG-bild. Du kommer att se genom denna handledning "metamorfos" av en rå fil till ett foto som fungerar enligt sin egen känslighet. Jag kommer därför att beskriva dig steg för steg de viktigaste utvecklingsstadierna för en RAW-fil. Behandlingen av dessa filer är en del av en serie åtgärder och justeringar som syftar till de olika koncepten som utgör ett foto. Denna följd av åtgärder kallas ”arbetsflöde”. Dessa justeringar är utöver de inställningar som gjorts under fotograferingen. Det är viktigt att klargöra att allt som kan göras med din kamera när du fotograferar i fältet måste göras just nu. Detta är ännu mer sant inom undervattensfotografering. Felet skulle vara att säga till dig själv, så mycket pi, jag gör inte den här inställningen eller optimerar inte den här, för jag kunde göra det senare med Lightroom eller Photoshop. Efterproduktion eller datorbehandling av ett foto är en integrerad del av processen att skapa ett fotografiskt arbete. Enligt min mening är detta ett lika viktigt steg som själva skjutningen. De viktigaste begreppen som vi kommer att arbeta igenom i den här guiden är följande: kontrast, toner och färger och några lokaliserade handlingsverktyg. Listan över åtgärder som beskrivs är inte uttömmande.

Efterproduktionen av en RAW-fil är väsentligen densamma som om det är en bild under vattnet eller marken. Ändå finns det specifika egenskaper för utvecklingen av undervattensbilder.

Denna handledning är för nybörjare, personer som inte har någon erfarenhet av postproduktion och som vill fördjupa detta ämne.

Vi går igenom arbetsflödet och arbetar med utvecklingen av en RAW-fil med Adobe Lightroom CC 2015-programvara.

Så att du kan följa steg-för-steg-processen gör jag RAW-filen tillgänglig för dig så att du kan göra samma inställningar som jag. Observera att färgåtergivningen kan variera beroende på skärmarna, särskilt om de inte är kalibrerade.

Som jag meddelade ovan är utvecklingen av en RAW en action-svit som syftar till att optimera och anpassa vissa koncept som inte kan realiseras under fotograferingen.

Jag kommer att beskriva dig steg för steg alla åtgärder som används för att utföra behandlingen av detta undervattensskott, eftersom detta före / efter jämförelse visar:

Denna bild togs i slutet av dyket i S-passet i Mayotte. Det är en bild mot ljuset, så med en stark dynamik.

Presentation av mjukvarugränssnittet:

Först öppnar du ditt foto i Lightroom och klickar på fliken Utveckling.

Du bör ha det här gränssnittet:

Så här visas Lightroom-arbetsytan med alla element eller grupp av element som gör att vi kan arbeta med filen.

- Histogrammet: det är längst upp till höger. Du kan hitta dess användbarhet genom att återvända för att se min artikel: Fundamentals of photography. Detta histogram kommer att utvecklas under hela fotografisk bearbetning. Varje åtgärd kommer att påverka den.

- Exifs: det här är indikationerna på fotograferingsparametrarna. (Hastighet, bländare, ISO men också brännvidd och objektiv som används, här en 16-35 till 16 mm)

- Den lokaliserade verktygspanelen: denna grupp verktyg låter dig beskära, korrigera horisonten, göra en lokaliserad vitbalans (mycket praktiskt inom undervattensfotografering), lägga till graderade filter, göra lokala korrigeringar olika etc.

- Justeringsflikarna: det finns 9 av dem (grundjustering, tonkurva, detalj, TSI / gråskala, partiell toning, detalj, korrigering av objektiv, transformationer, effekter och kalibrering av enheten Foto)

- Förhandsgranskningsalternativ: detta är ett mycket praktiskt verktyg som låter dig se en före / efter gjorda ändringar. Den har flera visningsstilar.

- Skala: viktigt verktyg för att zooma in eller ut på fotot.

Först av allt måste vissa justeringar göras som kommer att förbli permanent på programvaran.

Jag vill prata om arbetsfärgutrymmet och den grundläggande profilen som vi ska arbeta från och eventuellt också exportera våra bilder till Photoshop efter utvecklingen av RAW.

Färgutrymmet under vilket vi måste arbeta är ProPhoto RGB. Detta är det största färgutrymmet tillgängligt för oss. Även om de flesta skärmar inte kan återge alla färger i det här utrymmet, är det viktigt att använda den för att få bästa möjliga färgskärm. Detta är ännu mer sant i fotografering under vattnet eller i nyanser av blått är många. Detta utrymme tillåter en bättre lutning, en bättre övergång av olika nyanser.

Du måste också välja färgdjup vid 16 bitar / lager. Se också till att det inte finns någon storlek.

Dessa ändringar görs genom att klicka på Lightroom => Inställningar => Extern utgåva.

Du kommer att få det här fönstret:

Innan vi påbörjar vår behandling är det viktigt att välja den profil som ska ligga till grund för vår behandling. För att bättre förstå vad profiler är kan du läsa om min artikel om RAW-format via den här länken: http://www.blog.underwater-landscape.com/format-raw/

För att välja profil, klicka på den sista justeringsfliken: kalibrering av kameran

När fliken är öppen har du en hel panel med reglageinställningar. För närvarande fokuserar vi bara på profilmenyn:

Lightroom erbjuder flera tolkningar av en RAW-fil. Dessa tolkningar är faktiskt Profilerna. Vissa av dessa profiler erbjuds redan av din kamera (liggande, stående, etc.) medan andra är profiler skapade av Adobe. Grund rendering skiljer sig mycket beroende på vilken profil du har valt. Här är målet att välja den mest neutrala profilen som möjligt för att bättre kontrollera behandlingsflödet.

För detta är här en liten jämförelse av rendering av olika profiler.

Du kommer att märka att återgivningarna är helt annorlunda, lika mycket på kontrasterna som på kolorimetri. Visst som profilen, har Camera Landscape en kontrast och färgmättnad för uttalad för min smak.

Jag väljer alltid Adobe Standar V2-profilen. Detta är den profil som erbjuder den mest detaljerade och är den mest neutrala när det gäller färger. Det är också mycket låg kontrast, vilket ger oss den fulla möjligheten att justera den kontrast vi vill ha.

Men ingenting förbjuder dig att gå på en annan profil, det är bara en fråga om uppskattning och tolkning.

Kontrast, toner och informationssökning:

RAW-filen med den profil som jag tidigare valt är i sitt aktuella tråkiga, okontrasterade tillstånd. Detta är normalt, begreppet kontrast och ton är subjektivt. Sensorns roll är att registrera den maximala mängden information. Men vissa, som kontrast, beror på vår egen känslighet.

Kontrast, precis som exponering, är subjektiva uppfattningar. De beror starkt på vår tolkning och den rendering som vi vill göra till vårt foto. Detta är anledningen till att ett makrofoto på svart bakgrund avsiktligt undervattas, medan ett humörfoto, som det här, syftar till att visa en scen i sin helhet och kräver en exponering så rättvis som möjligt .

I det här fallet är den första åtgärden i RAW-utvecklingsarbetsflödet. Består av dataåterställning i mycket exponerade och underexponerade områden. Kort sagt, återhämtning av så kallade "brända" eller "blockerade" områden. Det beror till stor del på sensorns dynamik. Ju nyare sensorerna är, desto mer dynamisk är det och därför är möjligheten att hämta information viktig. Denna lösning har sina gränser, du måste först exponera ditt foto och justera kraften i dina blixtar för att få minst information att extrahera.

På det här fotot kan vi se att det inte finns några ”blockerade” områden, det vill säga helt svarta. Endast en liten del av solen är något överexponerad. Så vi kan dra slutsatsen att fotot är korrekt exponerat och att jag inte behöver leka med exponeringsreglaget.

Det finns ett litet trick för att identifiera överexponerade och / eller tilltäppta områden.

Genom att klicka på de två små knapparna som är ovanför histogrammet, färgar programvaran de brända områdena i rött och de blockerade områdena i blått. Vi noterar i detta exempel att det inte finns något område att återhämta sig i de ljusa baserna, bara ett område nära solen är överexponerat. Men detta är normalt eftersom det är solen.

 

Nästa steg är att spela med de grundläggande inställningarna på fliken med samma namn.

Men innan jag går vidare kommer jag att ge dig några detaljer om markörerna som finns på den här fliken:

Efter dessa små detaljer kommer jag att försöka få lite information kring solen, det tydligaste området på fotot, men utan att försöka göra för mycket. För det använder jag skjutreglaget för de vita tonerna som jag flyttar till vänster.

Eftersom reglaget är inställt på -40% märker vi att det överexponerade området inte längre är markerat med rött. Det kan också noteras att denna åtgärd också och särskilt har påverkat de andra ljusa områdena på fotot när molnen nära det här området.

När informationen har återhämtats är nästa åtgärd att spela på total bildkontrast.

Den enklaste lösningen är att variera kontrastreglaget. Denna reglage förlitar sig på en förinställning som mer eller mindre ändrar tonernas S-kurva. Denna lösning lämnar lite handlingsutrymme och är mycket mindre exakt än att spela direkt på tonarnas kurva, men återgivningen är ofta korrekt.

Kontrasthantering med den övergripande reglaget för bildkontrast:

Vi ser med vyn före / efter nedan att bilden är mer kontrast, fotens bleka utseende bleknar och lättnaden börjar dyka upp.

Kontrasthantering med tonkurvan:

Detta är en annan metod för att justera kontrasten på ditt foto. Men innan du går vidare, lite förtydligande om denna tonkurva:

Tonkurvan är ett mycket viktigt verktyg för att justera kontrasten. Till skillnad från kontrastreglaget för det grundläggande verktyget kan du spela på kontrasten genom att välja tonerintervall med kurvan. Det vill säga, det tillåter oss att arbeta med ljusa toner utan några återverkningar på mörka toner och vice versa. Vi kan alltså ha en mer exakt justering än med den tidigare metoden.

Det finns ett annat sätt att spela med denna kurva. Det är med punktmetoden. Vi kan skapa så många poäng som vi vill på kurvan för att variera det som vi ser lämpligt. Tveka inte att testa den här metoden hemma.

Nedan visas kontrasterna justerade med tonkurvmetoden. Jag lade till en liten "pep" i höjdpunkterna och mörknade de mörkare områdena. Fotoet blir mer dynamiskt, den "tvättade" effekten försvinner. Behandlingen tar form.

Obs! Att lägga till kontrast påverkar de mest exponerade och underexponerade områdena på ett foto. Ju mer kontrasten ökar, desto mer information ”förlorar vi” i ytterligheterna. Målet är att hitta en bra balans, den viktigaste är STEMNINGEN, atmosfären eller atmosfären du vill ta med dig.

För behandlingssviten behåller jag kontrasten med tonkurvan (se till att du har återställt den globala kontrastreglaget till noll).

Tydlighet:

Klarhet är det första verktyget i närvarokategorin i panelen Basic justeringsverktyg.

Dess funktion är att markera (eller inte) detaljerna för kontrastmikrofonerna på ditt foto. Det är särskilt intressant att ta fram strukturer som sandkorn eller fiskvåg. Det förstärker också konturerna för elementen i ett foto.

Detta verktyg ökar dynamiken och lättnaden för ditt foto i dess positiva värde. Omvänt slätar det ut tills det "suddar ut" det till dess negativa värde (som jag personligen aldrig använder).

När jag började bearbeta datorn använde jag mycket tydlighet för att lägga till "pep" till mina foton. Men med tiden, med erfarenhet, har jag insett att detta attraktiva verktyg bör användas med extrem försiktighet. Så mycket att jag knappast använder det längre, eller bara vid vissa punkter i ett foto. Missbruk av tydlighet förvränger fotot, det blir mindre "mjukt" med ibland en metallisk aspekt.

Exemplet nedan är mycket mer talande än några ord:

För denna behandling kommer jag inte att lägga klarhet, jag tycker att fotot redan är mycket dynamiskt med en lättnad som lyfts fram av kontrasthanteringen som vi insåg tidigare.

Linsekorrigeringar:

Lightroom har en funktion som också upptäcker den använda linsen och erbjuder dig en korrigering av kromatisk avvikelse och vinjettering. Korrigering av kromatiska avvikelser måste göras varje gång.

Nedan visas en skärmdump före linskorrigering och efter.

Vi märker en skillnad i återgivning på konturerna av fotot. Faktum är att korrigeringen av vinjettering "ljusnar" konturerna som förmörkas av linsens optiska standard. Enligt min mening är denna korrigering inte systematisk. Det är verkligen från fall till fall beroende på fotot och dess sammansättning. Jag lägger nästan alltid vinjettering till mina bilder för att vägleda ögat till motivet. Så det här är inte en korrigering som jag gör regelbundet. Observera att vinjettering också är mycket beroende av objektivets kvalitet. Ju mer kvalitet målet är, desto mindre kommer vinjettering att vara närvarande, eller i värsta fall bättre hantera sin distribution.

För det här fotot kommer jag att behålla lite objektivvignettering, så jag kommer att tillämpa denna korrigering upp till 30%. Varför detta val? Eftersom de mörka kanterna på fotot fokuserar blicken mot mitten av fotot, där motivet är. Å andra sidan behåller jag snedvridningskorrigeringen nästan varje gång.

Färger :

Här är ytterligare ett stort kapitel i datorbehandling. Färger !!! Tolkningen av kolorimetri är specifik för var och en. Och som jag redan nämnde i min tidigare RAW-artikel är din kameras feedback på skärmen inte den absoluta sanningen. Ännu mer inom undervattensfotografering påverkas färgen eller färgerna kraftigt av vattenpelaren. Finheten i färgbehandlingen utvecklas enligt din erfarenhet. Som med gott vin eller ost mognar det över tiden. Det vanligaste misstaget är att "för mycket". Huvudorsaken är för att mätta färgerna. Och tro mig, vi kommer dit väldigt snabbt. Färgharmoni är också mycket viktigt. Se upp för dominerande färger (på grund av dålig vitbalans eller dålig belysning).

Det finns flera verktyg för att arbeta med färgerna på ett foto.

- Verktyget Temperatur och ton.

- Hantering av varje färg isolerat på fliken TSL / Färg / OBS.

- Verktyget Delvis vändning, vilket påverkar, enligt vårt val, färgerna på höjdpunkter och / eller ljusbas.

- Verktyget för modifiering primära färger som finns på fliken Kalibrera på kameran.

Först kommer vi att se förvaltningsverktyget för Temperatur och ton som är i grundinställningarna:

Vi ser här att temperaturen är 5 850 grader Kelvin. Denna inställning beror på kamerans inställning. För detta dyk låter jag kameran hantera färgtemperaturen, men ibland justerar jag den manuellt.

Genom att byta reglaget kan du justera färgerna så att de blir varmare eller svalare.

Här är två överdrivna exempel på vad som är möjligt med detta verktyg:

Ovanför en färgtemperatur vid 7000 grader Kelvin.

Vi märker genast att färgerna är varmare. De skjuter mot det gula.

Ovanför en färgtemperatur vid 4700 grader Kelvin.

Till skillnad från den föregående märker vi att färgerna drar mot svalare nyanser, alltså mot blåaktiga toner.

Vi kan se att temperaturen påverkar hela fotospektret. Var försiktig, rendering kan skilja sig mycket beroende på skärmar om de inte kalibreras av en kolorimetrisk sond. Generellt sett fungerar undervattensfoton bäst med en temperatur mellan 4800 K och 5500 K. För det här fotot lämnar jag färgtemperaturen som den är, vid 5850 K, för jag tycker att den är ganska välbalanserad på det sättet.

För Hue-reglaget är det exakt samma som för Hue, förutom att färgspektrumet kommer att dra mer eller mindre till grönt eller magenta. Och vad gäller temperatur, skulle jag inte ändra detta värde.

Fortfarande på fliken Grundinställningar har vi två reglage för att markera färgerna.

Dessa är de två sista: Vibrans och mättnad.

Vad är skillnaden mellan vibration och mättnad?

Mättnaden hos en färg i färg är på ett sätt intensiteten i dess färg. En mättad färg tenderar mot fluo medan en låg mättad färg tenderar mot en pastellskugga.

För vibrationen är definitionen mycket mindre lätt. Först och främst är det ett begrepp som populariserats av Adobe.

Här är deras definition: " Vibransinställningen justerar mättnad för att begränsa klippning av färger nära den maximala mättnadsnivån. Denna inställning ökar mättnadsnivån för svagt mättade färger så att den är högre än den för redan mättade färger. Det hjälper också till att förhindra överdriven mättnad av hudtoner. "

Vi kan alltså sluta skillnaden mellan dessa två uppfattningar.

Mättnad ökar nyansintensiteten för alla färger medan vibrancy väljer de mindre uttalade färgerna (mellantonerna) för att intensifiera deras nyans utan att påverka de redan dominerande färgerna.

Vid fotografering under vattnet har vibransen en tillgång för att öka motivens färger, utan att i de flesta fall ändra de dominerande färgerna, de blå.

Men se upp, du måste spela sparsamt på dessa skjutreglage !!!!

Här är till exempel vibransen pressad till 50%:

Och nu mättades mättnaden till 50%:

Vi noterar att mättnaden som pressats till 50% ger en rendering som inte verkar alls naturlig medan 50% -vibrationen inte faller i överflöd.

Uppenbarligen överdrev jag medvetet på skjutreglagen för dessa två exempel. Jag överstiger aldrig 20% ​​i livskraft och 10% i mättnad. Det här är de gränsvärden som jag har satt mig själv de senaste åren. Utöver dessa trösklar verkar rendering inte längre naturligt för mig.

Här är återgivningen till 20% av vibrans och 10% av mättnad:

TLS / Color / NB-verktyget:

För att ändra en specifik färg utan att påverka andra använder vi verktygen på fliken TLS / Color / OBS.

Det finns flera presentationer av det här nästa verktyget eller så klickar du på TSL eller färg, men det är faktiskt samma sak.

Du kan ändra 8 olika färger: röd, orange, gul, grön, blågrön (cyan), blå, lila och magenta.

På var och en av dessa färger kan vi påverka tre begrepp: Nyans, mättnad och luminans. Detta gör att vi kan göra exakta justeringar för varje färg utan att ändra de andra.

För vårt exempel tycker jag att blues drar lite för mycket till det gröna och det stör mig lite.

Jag ska ändra nyansen genom att trycka reglaget cyan (blågrönt) åt höger, som nedan:

Obs: cyanfärger har ett stort inflytande på återgivningen av blues på ett foto. Det är färgen att arbeta framför alla andra.

Jag tänker inte spela på färgmättnad med det här verktyget eftersom jag redan har justerat mättnaden tidigare. Men ingenting hindrar oss från att trycka / sänka färgens mättnad om det verkar otillräckligt eller marginellt för andra färger.

Vi får en blå som inte drar det gröna. Det är upp till alla att bestämma att det är den lämpligaste färgen.

Delvis vändning:

Detta är en annan metod för att justera höjdpunkter och / eller skuggor. I det här fallet kan du inte välja en specifik färg. Det är hela färgspektrumet för höjdpunkter eller skuggor som ändras. Även om det är ett verktyg som jag ibland använder i landskapsfotografering använder jag det aldrig i efterproduktion av ett undervattensfoto.

Det finns en tredje metod för att justera färger. För att göra detta går vi till en flik som vi redan har sett: Kalibrering av kameran :

På den här fliken har vi sett tillgängliga profiler (standard, liggande etc.). Men det finns också en serie skjutreglage som syftar till att ändra de primära färgerna: rött, grönt och blått (RGB) samt en skjutreglage som spelar i skuggans nyans. Om vi ​​ändrar en av dessa skjutreglage kommer detta att ha en direkt inverkan på primärfärgen, men också på alla sekundära färger som härrör från den.

För att ge dig ett exempel vill jag ta med lite mer rött på fisksoldaten som drar lite för mycket på det gula för min smak. Du kommer att märka med före / efter jämförelsen nedan att modifieringen också påverkar korallens varma nyanser. Känn dig fri att variera skjutreglagen, även i ytterligheter för att visualisera möjliga renderingar med detta verktyg.

Före kalibrering:

Efter kalibrering:

I detta steg av bearbetningen är det tunga lyftet gjort. Fotoets övergripande utseende passar mig. Men det finns fortfarande ett stort antal möjliga åtgärder. Speciellt med lokaliserade åtgärdsverktyg eller graderade filter.

Jag kommer inte att gå igenom alla handlingsverktyg som är lokaliserade i den här självstudien eller på de två flikarna Transformation, detalj et effekter. Men jag uppmanar er att testa dem empiriskt. Det är ett bra sätt att lära sig.

Å andra sidan ser vi tillsammans möjligheterna med verktyget Graderad filter.

Det graderade (eller degraderade) filtret är, som namnet antyder, ett "progressivt" filter. Det här filtret kan roteras i valfri riktning och dess gradering kan ändras efter eget önskemål. Det är särskilt effektivt i landskapsfotografering, till exempel för att arbeta på himlen. I undervattensfotografering är det användbart för att arbeta på vattenytan.

Verktyget Graduated Filter finns i den lokala verktygspaletten, som är den lilla rektangeln som är omgiven i rött på bilden nedan.

När du klickar på den lilla rektangeln visas en serie reglage. Dessa är nästan desamma som reglagen för inställningar. Men innan vi ändrar något måste vi först placera filtret på vårt foto.

För att göra detta, klicka på den punkt på fotot där du vill att filtret ska starta och flytta muspekaren där du vill att det ska stoppa.

Vilket ger oss detta:

Vi har 3 rader som visas. Alla ändringar är 100% över den översta raden.

Filtret kommer att graderas på progressivt sätt mellan topplinjen och bottenlinjen att det är på 0%. Så någonting under den nedersta raden kommer inte att förändras.

Naturligtvis är avståndet mellan topplinjen och bottenlinjen justerbart efter behov.

Här är ett exempel på den rendering vi kan ha:

Vi kan se på bilden ovan att jag har ändrat reglagen för exponering, kontrast, höjdpunkter, klarhet och mättnad. Alla dessa åtgärder / ändringar har den effekten att de ger en liten "pep" till vattenytan medan de hämtar information i solens höjdpunkter.

Utan graderat filter:

Med graderat filter:

Detta verktyg kommer i slutet av behandlingen. Det är som ett efterbehandlingsverktyg. Men som alla efterproduktionsverktyg, bör det användas sparsamt utan att försöka vilja för mycket. Det måste förbli omöjligt för ögat. Annars gick du för långt.

Lightroom-bearbetningen är nu klar. Nedan är den slutliga renderingen bra. Återhämtningen av information, hanteringen av kontraktet och färgerna leder till detta foto. Även om det skiljer sig från RAW-filen förblir det arbete som gjorts på detta undervattensskott trogen till den scen jag har i åtanke.

Som tidigare i film motsvarar behandlingen av RAW-filen utvecklingen av ett filmfoto. Fotografen ersatte sitt mörkerrum med sin dator. Digital bearbetning, och jag pratar om bearbetning och inte “retuschering”, är en integrerad del av processen att skapa ett fotografiskt arbete av vilket råmaterialet är RAW-filen som skapades under fotograferingen. Det är en del av en serie åtgärder (arbetsflöde) som syftar till att infoga och sublimera en bild genom fotografens känslor, känslor, vision och upplevelse.

Den här undervisningen för bildbearbetning är en guide. Det är absolut nödvändigt att du bekantar dig med din bearbetningsprogramvara. Det finns ingen hemlighet, ju mer du arbetar med dina foton, desto bättre blir du. Din känslighet kommer att utvecklas enligt ditt kunnande. Det kommer att förfina över tiden. Men framför allt måste du spendera några timmar bakom skärmen. Det som verkar tråkigt och empiriskt för tillfället kommer att bli ett verkligt nöje när du behärskar de olika verktyg som vi sett tidigare. Den kunskap och erfarenhet du kommer att skaffa dig vid datorbearbetning kommer att förändra hur du fotograferar. Du tar inte längre bilder för att få en fin förhandsgranskning på skärmens retur av din låda! Nej, du kommer att fotografera enligt möjligheterna med din kamera och den du har i efterproduktionen. Men glöm aldrig en viktig sak: allt vad som kan göras vid skjutningen, måste göras vid den tiden !!!!